31 de marzo de 2013

Serigrafía significado



Serigrafía. Procedimiento de impresión basado en hacer pasar la tinta a través de una malla (natural -seda- o sintética), que sirve como matriz para imprimir. Esta malla contiene el dibujo o foto que se desea reproducir; las partes sin líneas, puntos o manchas quedan tapadas por procedimientos manuales o fotomecánicos, de modo que la tinta sólo atraviesa las zonas libres, que coinciden con el dibujo o la fotografía. Se imprime presionando la tinta sobre la tela mediante una rasqueta o raedera. Este sistema se ha utilizado ampliamente durante las últimas décadas para tirar series cortas de obras artísticas hechas ex profeso para ser reproducidas por este procedimiento. Es muy amplia la utilización de la serigrafía y existen varios tipos de serigrafía: Textil, artística, industrial, en vidrio etc.



SERIGRAFIA
Obra de García Niró 

PROCESO DE LA SERIGRAFIA 

Serigrafia
Meditación musical

PROCESO DE LA SERIGRAFIA ARTÍSTICA EN TELA





Pintura profana



Profana pintura. Hasta el Barroco se denomina pintura profana a la que no toca temas religiosos, para distinguirla de este tipo de manifestaciones artísticas. La pintura profana fue muy rara, en Europa, hasta el siglo XV.

Título: “Verano”, Brueghel, 1565,
Metropolitan Museum of Art Nueva York,
PINTURA-PROFANA

-El palacio de los Dogos, Francesco Guardi, 1770
PINTURA-PROFANA

 Muchachos comiendo melón y uvas, MURILLO
PINTURA-PROFANA

PINTURA-PROFANA
Coup de soleil, 1675, oleo sobre lienzo, Ruisdael Jacob





Surrealismo en el arte


Breve reseña histórica del surrealismo


Se toma el año 1924 como fecha de lanzamiento o nacimiento del surrealismo. Sus teóricos son intelectuales y artistas que han leído a Freud, y entre ellos destaca especialmente la figura de André Breton que, procedente del Dada, va a constituirse en auténtico «Papa» del movimiento. Hará del surrealismo una especie de dogma, al que no le faltarán sus cismas y sus excomuniones, impartidas a aquellas que osan salirse de la línea establecida. El citado año 24 aparece el primer manifiesto de la tendencia, y en el 25 se celebra su primera exposición en la sala Pierre de Paris con la participación de pintores que sólo ocasionalmente se situarán en el surrealismo, como Picasso o Paul Klee.

Una cita de Breton nos puede poner sobre la pista de los principios que animan esta experiencia:
«Surrealismo: automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, tanto por escrito como verbalmente o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Dictado del pensamiento, con exclusión de todo control ejercido por la razón y al margen de cualquier preocupación estética o moral».

Superficialmente se ha dicho que el surrealismo pictórico era la expresión del universo de los sueños. Si bien esto no es completamente falso, la realidad es que las visiones oníricas son sólo una parte o una consecuencia del verdadero contenido teórico de esta tendencia.

El Bosco, William Blake, Goya, Odilón Redon o De Chirico ya habían hecho pintura surrealista anteriormente sin tener conciencia de ello. Lo cierto es que el surrealismo trata de bucear en una serie de experiencias psíquicas que pertenecen al subconsciente, excluyendo a la razón del proceso creativo. Sin embargo, este proceso no es totalmente espontáneo. Las imágenes del subconsciente no son abstractas; son imágenes de cosas y personas reconocibles, ubicadas en un medio y unas coordenadas que pertenecen a otra lógica. Pero s¡empre existe un tema, que es preciso expresar de modo concreto. Por eso los surrealistas van a ser, en muchos casos, pintores académicos que muestran un mundo extraño cuyas formas son, sin embargo, perfectamente tradicionales.

El surrealismo, como el Dada, rechaza el arte burgués, que se había basado en la representación de lo externo. Se trata ahora de conectar con algunos pintores raros de pasado (El Rosco, Blake, Goya) para expresar lo interno del hombre y su mente. El movimiento va a ser especialmente literario, sin que llegue a situarse nunca en un primer plano de interés la especulación propiamente pictórica.


Procedimientos expresivos del surrealismo: collages, frottages, papeles rajados, cadáver exquisito, etc. El censo de pintores surrealistas es muy amplio y sólo nos es posible hacer referencia a sus representantes más notables: André Masson, Max Ernst, e Ives Tanguy se encuentran entre los surrealistas ortodoxos, que practican una pintura semiabstracta de formas inventadas y dibujo preciso.  René Magritte (1898-1967) es, posiblemente, el pintor surrealista que paso a paso ha alcanzado un prestigio más sólido en la actualidad. Elabora una obra de técnica realista minuciosa, fotográfica, caracterizada por temas donde los motivos de la realidad más cotidiana aparecen guardando relaciones sorprendentes. La paradoja visual insólita es la constante en toda la obra de Magritte, poseedor de una imaginación de rara fecundidad orientada siempre por la lógica más estricta. De su obra se derivan algunas de las líneas maestras del arte gráfico comercial de los años 70s (publicidad, portadas de magazines, cubiertas de discos, etc.).


El español Salvador Dalí (1904 - 1987 ) reúne en su personalidad algunas constantes de la sociedad burguesa de nuestro tiempo: una insaciable necesidad de reconocimiento público, un amor desmedido por el dinero (sólo es feliz-según sus palabras-si cuando se pone a desayunar cada mañana ha ganado ya diez mil dólares), una postura ideológica ambigua, un certero instinto de lo publicitario y el ejercicio de una burla escéptica que recae también sobre sí mismo. A esto hay que añadir una inteligencia poco común no exenta de cierto grado de paranoia y una vasta cultura que ha sabido utilizar para concretar temas y alternativas de su obra.

Se ha dicho reiteradamente que Dalí es mejor dibujante que pintor, lo que resulta totalmente falso. La obra gráfica del pintor catalán es francamente vulgar; no así buena parte de su obra pictórica. Adscrito a un realismo fotográfico (no siempre conseguido) que se desarrolla en su más pura vertiente surrealista en los años anteriores a la segunda guerra mundial (La persistencia de la memoria, El enigma de Guillermo TeIl), durante los años 50 y 60s va a realizar una serie de grandes telas donde a los conceptos surrealistas se unen símbolos católicos y una visión general que se emparenta con el carácter preciosista y mediterráneo del Renacimiento italiano. Obras como La Madonna de Port Lligat muestran a un pintor de factura muy elaborada y dibujo fotográfico, en el que sobre los valores propiamente pictóricos predominan aspectos literarios y simbólicos que expresan una concepción muy compleja del mundo: lo mediterráneo catalán, Gala (su esposa), alegorías tomadas de la física o conceptos metafísicos, evidencian una lúcida personalidad generalmente comprendida superficialmente o desde sus aspectos negativos.

Otro catalán, Joan Miró (1893- 1986) maneja un lenguaje pictórico que no comparte con nadie, y su obra, de difícil clasificación, puede asimilarse, en cierto modo al surrealismo. El trabajo maduro de Miró (años 40s.) casi excluye toda relación con la realidad. Pequeñas formas caprichosas, lineas, puntos, estrellas y manchas de color para los fondos, configuran una obra de carácter ingenuo o primitivo. La técnica de esta fase es precisa y pulcra: dibujo exacto de las formas y líneas, y aplicación cuidadosa del color con poca materia. Después, en una etapa posterior, utilizará un colorido más elemental (en ocasiones sólo los colores primarios y el negro), a la vez que sus conceptos plásticos se hacen más dramáticos. La multitud de pequeñas formas dan paso a unas pocas manchas de colores puros y perfiles rotos, y a gruesos trazos negros espontáneos. Se trata de un pintor sui generis, cuya estética resulta bastante inaccesible por lo que tiene de ajena a cualquier referencia con el mundo cotidiano o con la línea especulativa que orienta a la pintura dei los últimos decenios.

También es difícil situar en una tendencia determinada a Marc Chagall (1887). Para algunos, incluido él mismo, es un pintor populista, un narrador de fábulas fantásticas destinadas a ser comprendidas por el pueblo. Lo cierto es que su trabajo, poblado de alusiones al recuerdo y de imágenes oníricas que se sitúan en un mundo de ámbitos y lógica diferentes, puede ubicarse (no sin reservas) entre la pintura surrealista, al menos en sus resultados.

Procedente de Rusia, fue un decidido partidario de la revolución de 1917, con la que colaboró desde su vertiente de pintor. No obstante, su carácter imaginativo le creó problemas con los dirigentes revolucionarios. Por ejemplo, en 1919, para celebrar el aniversario de la revolución, adornó con 15.000 metros de tela su ciudad natal, Vitebsk.  Lzvestia opinó que hubiera sido mejor utilizar esta tela en hacer camisas para la gente que no tenía.

La pintura de Chagalí es narrativa, cuenta fábulas e historias en las que aparecen con frecuencia sus gratos recuerdos infantiles de Vítebsk. Estas fábulas se sitúan dentro de un espacio y una lógica que no son reales: personas que vuelan, personajes o animales situados sobre los tejados de las casas, una cabeza desprendida del cuerpo, que avanza por su cuenta, violines que flotan en el espacio... Los fondos son a veces negros como el cielo nocturno de los sueños. El color es chirriante; añiles, violetas o morados luminosos, amarillos y verdes reunidos para elaborar armonías extrañas donde ciertos tonos surgen como súbitos destellos luminosos de un cielo irreal y mágico. Las formas de Chagall toman elementos del cubismo y el expresionismo; su factura, como la de la mayoría de los pintores de la época, se aplica al relleno de color sin grandes preocupaciones de acabado.

Durante la segunda guerra mundial gran parte de los surrealistas que habían trabajado en París se trasladan a Estados Unidos, donde no caen bombas (Dalí, Breton, Tanguy, Masson). En este país van a causar un enorme impacto. La capacidad de comercialización masiva de los norteamericanos, les va a utilizar para hacer decoraciones teatrales o cinematográficas, para montar escaparates o realizar diseños de muebles y joyas. Dalí es uno de los más beneficiados por esta circunstancia y sabrá explotar económicamente al máximo sus excepcionales dotes de promoción personal.


arte surrealista
Pintura surrealista, La persistencia del recuerdo, Dali Salvador
EL SURREALISMO



surrealismo- esculturas
ARTE SURREALISTA DE SALVADOR DALÍ
Surrealismo en el arte
Esculturas en Broce de Dalí

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ARTE SURREALISTA DE SALVADOR DALÍ
Surrealismo en el arte
Esculturas en Broce de Dalí

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Esculturas en Broce de Dalí

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ARTE SURREALISTA DE SALVADOR DALÍ
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ARTE SURREALISTA DE SALVADOR DALÍ
Surrealismo en el arte
Esculturas en Broce de Dalí

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Esculturas en Broce de Dalí

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ARTE SURREALISTA DE SALVADOR DALÍ
Surrealismo en el arte
Pinturas de Dalí

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ARTE SURREALISTA DE SALVADOR DALÍ
Surrealismo en el arte
Pinturas de Dalí

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ARTE SURREALISTA DE SALVADOR DALÍ
Surrealismo en el arte
Pinturas de Dalí

Pintores Famosos del Surrealismo Contemporáneo:
Obras de Michael Cheval

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Surrealismo Arte al Óleo
Pinturas de Michael Cheval
Cuadros Surrealistas al Óleo
SURREALISMO CUADROS AL OLEO
Surrealismo Cuadros Pintados al Óleo
Neo-Surrealismo al Óleo

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Surrealismo Arte al Óleo
Pinturas de Michael Cheval
Cuadros Surrealistas al Óleo
SURREALISMO CUADROS AL OLEO
Surrealismo Cuadros Pintados al Óleo
Neo-Surrealismo al Óleo

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Surrealismo Arte al Óleo
Pinturas de Michael Cheval
Cuadros Surrealistas al Óleo
SURREALISMO CUADROS AL OLEO
Surrealismo Cuadros Pintados al Óleo
Neo-Surrealismo al Óleo

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Surrealismo Arte al Óleo
Pinturas de Michael Cheval
Cuadros Surrealistas al Óleo
SURREALISMO CUADROS AL OLEO
Surrealismo Cuadros Pintados al Óleo
Neo-Surrealismo al Óleo

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Surrealismo Arte al Óleo
Pinturas de Michael Cheval
Cuadros Surrealistas al Óleo
SURREALISMO CUADROS AL OLEO
Surrealismo Cuadros Pintados al Óleo
Neo-Surrealismo al Óleo

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Surrealismo Arte al Óleo
Pinturas de Michael Cheval
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Surrealismo Cuadros Pintados al Óleo
Neo-Surrealismo al Óleo

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Surrealismo Arte al Óleo
Pinturas de Michael Cheval
Cuadros Surrealistas al Óleo
SURREALISMO CUADROS AL OLEO
Surrealismo Cuadros Pintados al Óleo
Neo-Surrealismo al Óleo

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Surrealismo Arte al Óleo
Pinturas de Michael Cheval
Cuadros Surrealistas al Óleo
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Neo-Surrealismo al Óleo

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Pinturas de Michael Cheval
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Pinturas de Michael Cheval
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Surrealismo Cuadros Pintados al Óleo
Neo-Surrealismo al Óleo

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30 de marzo de 2013

El Pop Art, cuadros e historia



Francis Bacon dice de los cuadros de Jackson Pollock que le parecen “encajes antíguos”. El pintor pop norteamericano Roy Lichtensteín, hablando del expresionismo abstracto de sus compatriotas, añade: “ El arte se ha vuelto extremadamente irreal, se nutre de si mismo, es utópico, y al mirar al interior tiene cada vez menos que ver con el mundo”.

Cuando la pintura abstracta norteamericana agoníza, va a surgir, vital y estimulante, el Pop Art o Arte Popular, el último gran reconstituyente del arte figurativo que ejercerá una influencia poderosa en todas las manifestaciones plásticas posteriores, desde la propia pintura y la escultura, al diseño comercial, la decoración o los objetos de uso diario. En 1955 Robert Rauschemberg toma ropas reales de una cama, las mancha de pintura y lo cuelga todo con el título de Red. Más adelante, en una obra con volumen, incorpora tres botellas de Coca Cola también reales (Coca-Co/a plan). Roy Lichtensteín pinta grandes viñetas de comic, con sus bocadillos y textos incluidos; Claes Oldenburg incorpora a su trabajo elementos como cocinas de gas o gigantescos pantalones corpóreos doblados en una percha. Andy Warhol realiza series de serigrafías donde la imagen de una botella de Coca Cola, la cabeza de 29 Marílyn Monroe o un bote de sopa Campbell se repiten idénticos decenas de veces ( 210 veces una botella de Coca Cola en el cuadro Green Coca Cola Bottles ). Jasper Johns pinta la bandera norteamericana ocupando toda la superficie del cuadro sin ningún otro añadido; Mel Ramos sitúa a rubias pin ups desnudas sobre fotográficos trozos de queso o cabalgando encima de paquetes de cigarrillos Philíps Morris.

En resumen, el movimiento del arte pop se fundamenta en la asimilación, como elementos estéticos, de toda una serie de productos populares de consumo masivo que hasta entonces habían sido despreciados por el arte “culto” envolturas de chicles, botellas de refrescos, paquetes de cigarrillos, alimentos envasados. Los elementos gráficos usados en los medios de masas (publicidad, comíc, tipografía de afiches o envases, etc.) también serán incorporados a las obras del Pop Art.

Cuando le preguntaron a Roy Lichtensteín por qué tomaba como fuente para su trabajo las envolturas de chicle o los comícs, siendo éste un material aparentemente antiestético y degradado, contestó: «Lo acepto por estar ahí, en el mundo. Los cómícs y los letreros son interesantes como temática. En el arte comercial hay ciertas cosas que son útiles, fuertes y vitales.”.
andy-warhol
Autoretrato de Andy Warhol
Pinturas famosas de Arte Pop


El Pop Art va a representar la expresión de temas absolutamente directos y familiares para una sociedaddonde el consumo ha llegado a niveles muy altos y se mueve continuamente entre productos empaquetados, imágenes de marcas o de personajes mitificados cuya fisonomía adquiere caracteres de estereotipo. El tipo de mujer creado por el star system del cine americano se concretará en los desnudos impecables de Tom Wesselmann.

Desde un punto de vista técnico, los pintores pop siguen utilizando el óleo sobre lienzo, pero se generaliza el uso de pinturas acrílicas, magna, esmaltes, técnicas mixtas y la incorporación de objetos reales. La serigrafía alcanza un desarrollo muy importante, que se va a extender rápidamente por todo el mundo. En cuanto al color, como tónica general, se utiliza plano y entonado en gamas muy brillantes, nada académicas, procedentes del arte comercial.

Los temas se reproducen con precisión fotográfica, y hay que remontarse a los flamencos del siglo XV para encontrar un parecido tan minucioso con la realidad como el que consiguen pintores como James Rosenquíst o Andy Warhol. El movimiento del Pop Art se inicia en Inglaterra con pintores como Peter Phíllíps, Peter Blake y sobre todo, Richard Hamilton. Sin embargo, es en Estados Unidos donde el movimiento alcanza un desarrollo más pujante. Los citados Rauschemberg, Líchtensteín, Oldenburg, Rosenquist, Jasper Johns, Wesselmann, Línder o Ramos son sus figuras predominantes, pero es Andy Warhol quien se convierte en una especie de símbolo del Pop en todo el mundo.

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Elizabeth Taylor
 Por: Andy Warhol
Pinturas famosas de Arte Pop

Se formó en el arte comercial: dibujos de zapatos de moda para Glamour, ilustraciones para Voge y Harper's Razaar (champús, sujetadores, lápices de labios, perfumes), escaparatista de la tienda Ronwit, etc. Después comenzará a pintar personajes del comic, como Popeye, Superman o Díck Tracy, con influencia aún de la pintura expresionista, para abordar, en su etapa madura, las famosas series, primero pintadas y luego serígrafíadas, de botes de sopa Campbell, de actrices, artistas  y personajes famosos como Marilyn Monroe o Jackíe Kennedy, donde el tema se repite idéntico, una y otra vez, sólo con variaciones de color.


Mucha gente se pregunta qué valor artístico tiene repetir un bote de sopa cincuenta veces. Una cita de Marcel Duchamp y otra del propio Warhol nos pueden aclarar esta interrogante. Duchamp dice: «Sí un hombre coge 50 latas de sopa Campbell y las pone en una tela, no es la imagen retiníana lo que nos interesa; lo que interesa es el concepto que quieren introducir 50 latas de sopa Campbell en una tela .

Por su parte, Warhol da una visión más profunda de su trabajo: «La razón de que pinte de esta manera es que quiero ser una máquina, y siento que cualquier cosa que haga como una máquina es lo que quiero hacer«. Y también: «Pienso que todo el mundo debería ser capaz de hacer mis pinturas en mi lugar. Estaría bien que más gente hiciera serigrafías de tal manera que nadie pudiera saber si mí pintura es mía o de otro.« «Nunca he querido ser pintor.” Son conceptos absolutamente revolucionarios y sorprendentes para la cultura establecida de dioses y semidioses. Se trata de dejar de ser el protagonista que maneja los instrumentos, para ser el instrumento mismo. Se entiende el hecho de pintar como un acto objetivo que produce en cadena imágenes sociales más que individuales, reflejo de un medio donde el binomio producción-consumo es el fenómeno más poderoso de nuestro tiempo.

El Pop Art va a influir de una manera o de otra en toda la nueva figuración europea y americana de los años 60 y 70 Manifestación propia de países muy desarrollados, en áreas menos tecnificadas se tomarán algunas de sus aportaciones aplicadas a otras corrientes. 

Aquí pinturas y obras de Romero Britto

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Arte Pop
El arte Contemporáneo del Artista Brasilero Romero Britto
Pintura y Arte del Movimiento “Pop”
Art Pop

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Arte Pop
El arte Contemporáneo del Artista Brasilero Romero Britto
Pintura y Arte del Movimiento “Pop”
Art Pop

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Arte Pop
El arte Contemporáneo del Artista Brasilero Romero Britto
Pintura y Arte del Movimiento “Pop”
Art Pop

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Arte Pop
El arte Contemporáneo del Artista Brasilero Romero Britto
Pintura y Arte del Movimiento “Pop”
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Arte Pop
El arte Contemporáneo del Artista Brasilero Romero Britto
Pintura y Arte del Movimiento “Pop”
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Arte Pop
El arte Contemporáneo del Artista Brasilero Romero Britto
Pintura y Arte del Movimiento “Pop”
Art Pop

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El arte Contemporáneo del Artista Brasilero Romero Britto
Pintura y Arte del Movimiento “Pop”
Art Pop

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Monumentos del Arte Pop
El arte Contemporáneo del Artista Brasilero Romero Britto
Pintura y Arte del Movimiento “Pop”
Art Pop

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Arte Pop
El arte Contemporáneo del Artista Brasilero Romero Britto
Pintura y Arte del Movimiento “Pop”
Art Pop

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Arte Pop
El arte Contemporáneo del Artista Brasilero Romero Britto
Pintura y Arte del Movimiento “Pop”
Art Pop

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