21 de enero de 2011

El arte de Los Tiépolo



ARTE VENECIANO

El ocaso de la Serenísima

El pintor de origen veneciano Gian Battista Tiépolo (1694-1770) fue el artista más importante de la república de Venecia, al final de su luminoso trayecto por el siglo XVIII. Sus hijos Gian Domenico y Lorenzo fueron sus insustituibles colaboradores en la realización de los grandes ciclos de pinturas murales y de los frescos de las bóvedas y techos.
Decoración interior Palacio Real de Madrid España Giovanni Battista T.

 LA PINTURA DE LOS TIÉPOLO

 Los Tiépolo trataron en sus obras tanto temas religiosos como mitológicos, históricos y costumbristas.  Sirviéndose de todas las experiencias anteriores, Tiépolo creó enormes obras en las que las figuras aparecían suspendidas sobre nubes en cielos luminosos.  Fue un gran dibujante y un maestro del color, su fantasía inagotable recreó la antigua mitología, dándole nuevas formas e imaginando alegorías para celebrar los mitos de su tiempo.

Obra "Pentecostés", Giovan Battista de Rossi
 No es posible enumerar todas las obras de la inmensa producción de Tiépolo. De hecho, los palacios más suntuosos del XVIII veneciano tienen frescos realizados por el artista y las residencias imperiales de Alemania y España, por su parte, muestran en sus techumbres imágenes celestiales pintadas por él y por sus hijos.

LA VIDA CAMPESINA

En Villa Valmarana, residencia patricia situada en las proximidades de Vicenza, Gian Domenico Tiépolo pintó una serie de imágenes rurales y de la vida campesina.  En ellas aparecen representados campesinos con sus ropas tradicionales y vistas de la campiña véneta.

Los paisajes de Giovanni Battista
Paisajes Antiguos en la Pintura Artística 



16 de enero de 2011

La pintura Veneciana en el Arte


LEGADO HISTORICO

Leonardo pasó los últimos tres años de su vida en Francia, como huésped de honor del rey Francisco.   La influencia de su innovador estilo fue extraordinaria, particularmente en el norte de Italia, donde el artista había trabajado entre 1482 y 1499, y también en Francia.  El joven pintor véneto Giorgione da Castelfranco Veneto (1478-1510) asimiló plenamente la nueva sensibilidad hacia el paisaje y los espacios abiertos introducida por Leonardo y, al igual que él, trazó las figuras utilizando un claroscuro difuminado que atenuaba cualquier dureza de los contornos.
La Tempestad, Óleo sobre lienzo, 78X72 cm., Giorgione 1508

EL CLAROSCURO EN LA PINTURA  
Gíorgione crea los efectos de claroscuro utilizando las distintas gradaciones de tono del color para dar profundidad al paisaje y relieve a los cuerpos, para resaltar los árboles sobre el cielo claro, o el color de los ropajes sobre un prado.  Para Giorgione árboles, ríos, nubes o agua son tan importantes como la propia figura.  En La Tempestad dedica mucho más espacio al paisaje, el verdadero tema de la obra, que a las figuras y a su historia, de la que se ha perdido hasta su significado alegórico.

LOS VALORES CROMÁTICOS
Giorgione utiliza el color para representar la profundidad del paisaje, la atmósfera cargada de electricidad alrededor de la luz del relámpago y la densidad del cielo nublado. Hay homogeneidad en los colores, que da unidad a la obra.  Es una estructura abierta, los contornos de las formas no se cierran, sino que se funden con las demás formas.


12 de enero de 2011

Los Gatitos, Antonio Guzmán Capel.




Lirones Bodegon, Antonio Guzmán Capel




La Asunción de la Virgen, Óleo sobre tabla, 6,86 X 3,6 m., Tiziano Vecellio


Tiziano  Vecellio

Un genio del color Giorgione murió prematuramente de peste en 1510, siendo su amigo y colega Tiziano Vecellio quien continuó su experimentación sobre el color, la luz y la atmósfera.  Pintor de obras de tema mitológico y gran retratista de reyes y emperadores, Tiziano también manifiesta su fuerza colorista en la representación de los temas sagrados.

Una grandiosa composición


En La Asunción de la Virgen (1516-1518), Tiziano realiza una de las obras maestras de la pintura renacentista.   La iconografía de la Virgen ascendida al cielo constituyó una novedad tal que dio lugar a la condena de las autoridades eclesiásticas.

Esta grandiosa composición muestra tres zonas principales que forman una especie de triángulo alargado, en las que están representados los ropajes rojos. La luz del cielo claro muestra resplandores dorados en la zona de la esfera que representa el Paraíso, y en la que aparece el Padre Eterno.  Las figuras animadas y arrebatadas por la visión sobrenatural se destacan del fondo luminoso por el contraste de éste con los rojos intensos y los tonos tostados de las figuras.


9 de enero de 2011

El descanso, Pastel sobre cartón, 80x60 Cm Soledad Fernández


Desnudo Artístico de Mujer Pintura al Pastel Sobre Cartón
HIPERREALISMO EN LA PINYURA DEL DESNUDO ARTISTICO
La Mujer en la Pintura Artística
Pintura del Desnudo Femenino
DESNUDO ARTÍSTICO DE MUJERES AL OLEO
Pintores de Desnudos Artísticos al Óleo
Arte en el Desnudo Femenino en la Pintura Hiperrealista
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Despertando de los sueños, Óleo sobre lienzo, 60x93 Cm., Soledad Fernández



Desnudo Artístico al Óleo
El Arte del Cuerpo de la Mujer en la Pintura Artistica
Pintura Moderna del Desnudo de la Mujer
DESNUDO ARTISTICO DE MUJERES EN PINTURA AL OLEO
Pintores de Mujeres al Óleo
Serie: Desnudo Femenino al Óleo Sobre Lienzo

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8 de enero de 2011

San Juan Bautista, Óleo sobre lienzo, leonardo da vinci


En San Juan Bautista al igual que en la Mona Lisa o Gioconda, la sonrisa y la dulce mirada es lo que más seduce al observador. Quien contempla la obra se siente contemplado. En las obras de los artistas precedentes o contemporáneos a Leonardo, raramente encontramos imágenes que parezcan observamos.  De hecho, este lenguaje de miradas es característico de Leonardo da Vinci y será imitado por sus seguidores e imitadores en el futuro


SAN JUAN BAUTISTA,  LEONARDO DA VINCI, OLEO SOBRE TABLA, 69X53 CM  1513-1517, LOUVRE PARIS


El indagador del alma, "Leonardo da Vinci"


Leonardo da Vinci, estudió el cuerpo humano en toda su variedad de actitudes y movimientos. Sus figuras no eran estáticas, sino que estaban llenas de vida, como ponen de manifiesto sus dibujos.  No se limitó a representar la vida reflejándola en las actitudes externas, quiso representar también la expresión del rostro como reflejo de los pensamientos. El estudio de la fisonomía, que jamás se había acometido con tanta profundidad, tiene su realización concreta en la obra más famosa de Leonardo y del mundo, La Gioconda. 

 Lo más llamativo en esta pintura es la sonrisa, que se manifiesta en los ojos, más que en la boca. Aún no se le ha puesto un nombre al tema de este retrato ideal.


 LA GIOCONDA LEONARDO DA VINCI  1503-1506 OLEO SOBRE TABLA 77X53 CM LOUVRE PARIS


Orígenes de la Historia del Arte



ARTE NEOLÍTICO

No es fácil determinar la fecha a la que se pueden remontar las primeras manifestaciones artísticas del hombre.  Los objetos más antiguos que los hallazgos arqueológicos han sacado a la luz son piedras talladas e instrumentos de hueso que fueron fabricados hace decenas de miles de años.  Se trata de objetos necesarios para la supervivencia, que ciertamente no se fabricaban con propósitos decorativos o estéticos.

Hacha y utensilios de la era neolítica arte prehistórico

Sin embargo, en la prehistoria el hombre aprendió a trabajar la arcilla y los metales y empezó a grabar y a pintar las paredes de las grutas donde vivía.  En los objetos de uso cotidiano fabricados por nuestros antepasados comienza a manifestarse asimismo una búsqueda de la armonía en líneas y formas.  Determinados objetos, por otra parte, no tenían ninguna función práctica.

Escena de casa, Lascaux, Doroña, Francia. 20.000 A.C.  Pintura Rupestre

Es probable que algunas estatuillas femeninas o algunas escenas de caza tuvieran para el hombre prehistórico un significado mágico y ritual.   Podemos utilizar estas primeras manifestaciones como punto de inicio de nuestro largo viaje a través de la historia del arte. 






5 de enero de 2011

El Cubismo de Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque


EL CUBISMO REVOLUCIÓN MUNDIAL

«La gente no cambia de una generación a otra. Por cuanto sabemos a través de la historia, la gente es más o menos la de siempre, tiene las mismas necesidades, deseos, virtudes, cualidades
y también los mismos defectos De una generación a otra no cambia nada, excepto lo que se ha visto, y es lo que se ha visto lo que conforma cada generación.
»
(Gertrude Stein)

Esta escritora, amiga y protectora de los cubistas en París, definió con gran agudeza el valor de las artes figurativas en la historia de la cultura.

Picasso y Braque, iniciadores del cubismo, incluyeron en su experiencia visual un nuevo código, ajeno a nuestra cultura. Se trataba del arte tribal, procedente tanto del África negra como de Oceanía; a través de él los artistas se replantearon la figura humana.

EN BUSCA DE UNA NUEVA BELLEZA
Venus de Milo, Arte Griego

«¡Es casi tan hermosa como la Venus de Milo!» «Es más hermosa». Este intercambio de opiniones entre Picasso y un amigo pintor tuvo lugar en los primeros años del siglo xx, delante de una 

escultura fetiche del arte africano.

Figura tribal femenina  Arte Africafo

Las cosas no se ven tal y como son; lo que se ve son sus arquetipos y cada generación tiene los suyos. Los cubistas, en efecto, crearon modelos nuevos que revolucionaron los enfoques tradicionales. Pablo Picasso (1881-1973) es el artista que revolucionó de forma más radical el arte de nuestro siglo.  La obra decisiva de su época precubista es Las señoritas de Aviñó (1907), en la que su estilo está influido por el arte africano.

Las Señoritas de Aviño, 1907

LA EXPERIMENTACiÓN CUBISTA

El término «cubismo» denominó la corriente artística que redujo las formas a esquemas geométricos, es decir, a «cubos», y que hizo definitivamente que la pintura dejara de ser una fiel reflejo de la realidad.

En este proceso de esquematización, la simplificación de las formas de Cézanne fue llevada hasta sus últimas consecuencias.  El cubismo, sin embargo, fue también una interpretación de la realidad. De hecho, los artistas quisieron representar los objetos no tal y como los ve el ojo desde un punto de vista determinado, sino según la mente los imagina, es decir, mirando dentro de llos, representando simultáneamente sus distintos aspectos e imaginando su función. La imagen se descompone dando lugar a representaciones frontales, laterales, de abajo arriba, de arriba abajo y desde dentro.

Los cubistas más destacados, junto a Picasso, son Georges Braque (1882-1963) y Juan Gris 

(1887-1927).
Guitarra y Cartas, Juan Gris, 1913


PINTAR NO ES DESCRIBIR

Los cubistas abandonaron la idea de pintar las cosas como aparecen. En esta entrada se reproducen tres pinturas cuyos temas son la guitarra y el violín . En ellas los artistas plantearon crear una imagen total utilizando una perspectiva libre, y no la que registra nuestro ojo.  
 Guilatarra Pablo Picasso 1914


Guernica, Arte Universal Pablo Picasso


EL GUERNICA
 UNA OBRA HISTÓRICA

PABLO PICASSO GUERNICA 

A partir de 1915 Pablo Picasso abandonó el cubismo, si bien este código visual permaneció en su pintura como experiencia significativa y revolucionaria. 

ANALISIS GUERNICA PICASSO

En la pintura "El Guernica", realizada en 1937, podemos contemplar una composición constituida por formas desestructuradas, seccionadas y fragmentadas, que ya no son ni cubos ni volúmenes reconocibles.
Este cuadro constituye una interpretación figurativa de un suceso trágico de la guerra civil española: en abril de 1937 las fuerzas aéreas de la legión Cóndor bombardearon y asolaron la ciudad vizcaína de Guernica, hecho que conmocionó al mundo cuando se hallaba a las puertas de la Segunda Guerra Mundial.


El Guernica, Pablo Picasso, 1937, Óleo sobre lienzo, 3,45 x 7,70 m (Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Madrid).

PABLO PICASSO MURAL GUERNICA 1937
EL GUERNICA PICASSO


2 de enero de 2011

De la serie Indigenista, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera




Ancestros Mexicanos, Óleo sobre lienzo, Jesus Helguera







Serie de los Oficios Mexicanos, Óleo sobre lienzo, Jesus Helguera







San Juan Diego y La Vigen de Guadalupe, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera


virgen-guadalupana
Magistral interpretación de La Virgen de Guadalupe del maestro Jesús Helguera
Momento culminante del encuentro entre San Diego y La Virgen de Guadalupe 
La milagrosa Virgen de Guadalupe
LA VIRGEN DE LAS AMARICAS
Pintura Religiosa Mexicana al Óleo
Iconos de la Pintura en México


VER OBRAS DE JESUS HELGUERA



Rio de las Mariposas, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera







Despedida, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera




Bendicion Animales, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera







Andantes, Serie El Qijote y sancho Panza, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera







Amor Indio, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera







AMADO NERVO, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera




Almuerzo campesino, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera




Alegoría Patria, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera




ADELITA, Óleo sobre lienzo, Jesús Helguera


Adelita así fue conocida popularmente, su nombre de pila era Adela Velarde fue reconocida activista de la sangrienta y Revolución Mexicana de 1910. Adelita ha sido inmortalizada innumerables veces en pinturas al óleo, sin embargo la más famosa es el retrato de medio cuerpo que hiciera Jesús Helguera en la que ella sonríe y de su cabeza penden dos grandes y gruesas trenzas y en su pecho la banda de balas del fusil con que luchaba como guerrillera. 

Cuadros famosos de Jesús Helguera, Pintor costumbrista de México
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