Destacados Artistas Internacionales se Darán Cita en "Color Journeys 2026"

India, Brasil y Colombia serán escenario de un extraordinario encuentro artístico internacional durante la realización de la exposición itinerante "Color Journeys 2026", un proyecto cultural que reunirá a reconocidos creadores de diversas nacionalidades en una celebración de la creatividad, la diversidad y el diálogo entre culturas.

Amit Shah, -Ancient roots-, Mixed media on canvas, 40X40 cm., 2026, India

La muestra contará con la participación de importantes artistas de trayectoria internacional, cuyas obras han sido exhibidas en galerías, museos y eventos culturales de distintos países.

Entre los nombres confirmados se encuentran: Priya Patel, Rohan Kulkarni, Manish Yadav, Arjun Malhotra, Kavita Reddy, Sneha Iyer, Meera Gupta, Aditi Deshmukh, Sunita Nair, Vikram Das, Aarav Kapoor, Sanjay Banerjee, Siddharth Rao, Ishani Joshi, Priyanka Verma, Deepika Singh, Rajesh Mishra, Nikhil Choudhary, Amit Shah, Areadnne Vanessa Umaña Álvarez, Elizabeth Morales, Encarna Flores de Jerez, Verónica Padilla, Fidela Losada Flórez, Lesly Agredo Perdomo, Felipe Drago, Pilar Viviente, Julieta Ortega, Alex Cuartas, Verónica Fernández, Olaff Crown, Pamela Scarlett Orellana Parada,  Verónica Hernández, Francisco Javier Núñez, Jayro Osorio, Leticia Marotta Ferrari, Diodora Espíritu de Jesús, Raúl Domínguez Serret, Gloria Ángeles Carrera,,  entre otros, cuyas propuestas artísticas aportan una visión diversa y enriquecedora al panorama contemporáneo internacional.

Priya Patel, - Ancestral Art I-, Mixta sobre lienzo, 40X40 cm., 2026, India

La exposición se desarrollará en importantes espacios culturales de India, Brasil y Colombia, consolidándose como una plataforma internacional para la difusión del talento artístico y el fortalecimiento de los lazos culturales entre América Latina y Asia.

La realización de "Color Journeys 2026" es posible gracias a la alianza estratégica entre la Asociación Cultural Arte Sin Fronteras por la Paz (ASFPP) de Colombia, Navarasa Gallery Art, con sede en Jamalpur – Haryana, India, y el colectivo artístico mexicano Grupo Renacer – "Trazos que Narran Mil Historias", instituciones comprometidas con la promoción del arte, el intercambio cultural y la construcción de puentes de cooperación entre artistas de diferentes países.

Esta importante colaboración internacional fortalece el carácter multicultural de la exposición y consolida una red de trabajo que impulsa la circulación de artistas, obras y proyectos culturales entre América Latina y Asia, promoviendo el diálogo intercultural, la diversidad creativa y el entendimiento entre los pueblos a través del lenguaje universal del arte.

ARTISTAS PARTICIPANTES:

 NORBERTO GALÍNDEZ 

 MARÍA EUGENIA MÉNDEZ ALCÁNTARA

RESEÑA BIOGRÁFICA DE RAÚL DOMÍNGUEZ SERRET  

Oriundo de Celaya, México, cimentó su formación artística en la prestigiosa Escuela de Diseño y Artesanías del Instituto Nacional de Bellas Artes. Su trayectoria, caracterizada por una constante evolución interdisciplinaria, destaca por un dominio magistral del ensamblaje y la capacidad de dotar a los materiales de una carga simbólica renovada. Con un prestigio consolidado en escenarios de Europa e Iberoamérica, su carrera se ve respaldada por distinciones internacionales, incluyendo nominaciones al Premio Iberoamericano “El Nevado Solidario de Oro” y reconocimientos en el contexto neoyorquino, lo que perfila a un creador en ascenso constante.

En la obra "Prehispánico Maya", el artista despliega una ejecución técnica rigurosa mediante el uso de aguatinta y aguafuerte sobre cobre. Esta pieza cautiva por la profundidad lograda en sus texturas y el preciso manejo de los contrastes, factores que confieren a la imagen una atmósfera de antigüedad solemne. Domínguez Serret logra una síntesis visual donde la herencia cultural se entrelaza con una destreza técnica contemporánea, resultando en una pieza que no solo evoca el pasado, sino que lo reinterpreta a través de una elegancia gráfica notable y una soberbia resolución matérica. 

RESEÑA BIOGRÁFICA DE GLORIA ÁNGELES CARRERA 

Gloria Ángeles Carrera, originaria de San Rafael, Veracruz, y radicada actualmente en Puebla de los Ángeles, México, es una creadora cuya formación como psicóloga ha enriquecido profundamente su mirada artística. A lo largo de su trayectoria ha conjugado la sensibilidad humana con una vocación educativa orientada al desarrollo emocional y social. Tras una pausa profesional, reencontró en la pintura un espacio de sanación, introspección y libertad expresiva, transformando vivencias, recuerdos y emociones en imágenes cargadas de significado. Su obra, presentada en exposiciones nacionales e internacionales, revela una búsqueda constante de identidad, memoria y crecimiento interior, consolidando una voz auténtica dentro del panorama artístico contemporáneo.

En “Lo que el paisaje calla”, acrílico sobre lienzo, Gloria Ángeles Carrera construye una poética visual donde el paisaje deja de ser escenario para convertirse en metáfora del mundo interior. Elementos simbólicos como la hoja que enmarca el horizonte, el columpio vacío, la cometa suspendida y la figura parcialmente oculta sugieren recuerdos, anhelos y verdades que permanecen entre lo visible y lo silenciado. La presencia del banano abierto, la savia que gotea y el alambre de púas introducen una tensión entre fertilidad y herida, libertad y límite. Con una narrativa cercana al realismo mágico, la artista invita al espectador a descifrar aquello que la naturaleza guarda en silencio: las emociones profundas que moldean la experiencia humana y que solo el arte es capaz de revelar.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE DIODORA ESPÍRITU DE JESÚS

Mexicana y radicada en Atlixco, Puebla, Diodora Espíritu de Jesús ha construido una trayectoria artística donde la pintura y la enseñanza convergen en un mismo propósito humanista. Licenciada en Ciencias Naturales por la Escuela Normal Superior Federalizada del Estado de Puebla y formada en la técnica especializada del óleo bajo la orientación del maestro Jorge Luis Conde Méndez, su obra se inscribe dentro del arte figurativo contemporáneo e hiperrealista. Como artista y docente, ha promovido el pensamiento crítico, los valores humanos y el compromiso social, encontrando en la creación plástica un medio para reflexionar sobre las emociones y los dilemas de la condición humana. Su producción revela una sensibilidad especial para transformar escenas cotidianas en profundas metáforas visuales.

En “Insensatez / Senselessness”, óleo sobre lienzo de formato íntimo (20 x 20 cm), la artista convierte un gesto aparentemente simple en una poderosa alegoría de la fragilidad emocional. La mano que presiona la manzana deforma su naturaleza y simboliza las tensiones internas que surgen de las decisiones impulsivas y de las presiones que soporta el ser humano. El impecable tratamiento hiperrealista de las texturas, la luz y el reflejo sobre la superficie pulida intensifican la atmósfera de silencio y contención. La obra, de extraordinaria economía narrativa, nos recuerda que la insensatez suele manifestarse en pequeñas acciones capaces de alterar profundamente nuestro equilibrio interior.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE FIDELA LOSADA FLÓREZ

Fidela Losada Flórez (Nació en Rivera, Huila, Colombia) es una reconocida artista plástica y pintora colombo-española cuya trayectoria ha logrado trascender fronteras gracias a una propuesta estética profundamente personal. Hija de Abraham Losada y Aura María Flórez, inició su vida profesional como decoradora de interiores, experiencia que enriqueció su sensibilidad por el color, la composición y el espacio. A lo largo de su carrera ha participado en más de cien exposiciones en quince países, entre ellos España, Italia, Francia, México, Brasil y Estados Unidos, consolidándose como una destacada representante del abstraccionismo impresionista contemporáneo. Paralelamente, desarrolla una importante labor de gestión cultural desde FideArte, su casa museo y refugio artístico en Rivera, Huila, espacio dedicado a la promoción del arte y al encuentro creativo.

En “Serie Rayos de Luz”, realizada en técnica mixta sobre lienzo, la artista construye una poderosa metáfora visual donde la luz se convierte en protagonista absoluta. Desde una fuente superior casi celestial, haces luminosos atraviesan la composición para envolver un universo cromático vibrante de magentas, turquesas, violetas y amarillos intensos. La obra sugiere un diálogo entre lo terrenal y lo espiritual, entre la energía creadora y la transformación interior. Las transparencias, veladuras y texturas generan profundidad y movimiento, mientras la explosión de color evoca esperanza, revelación y renacimiento. Fidela Losada no representa la luz; la convierte en experiencia sensorial, invitando al espectador a contemplar la fuerza invisible que ilumina, guía y transforma la existencia.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE ELIZABETH MORALES 

Elizabeth Morales Ramírez es una destacada creadora mexicana cuya trayectoria integra con notable equilibrio las facetas de pintora figurativa, escultora, escritora y promotora cultural. Su sólida formación académica, como Máster en Administración de Empresas por la UACH y Diplomada en Artes Plásticas por la UACJ, ha fortalecido una carrera orientada tanto a la excelencia artística como al servicio comunitario. Su obra ha sido exhibida en diversos escenarios de Argentina, Brasil, Perú, Ecuador, Estados Unidos y más de veinte estados de México, consolidando una presencia internacional respaldada por importantes reconocimientos, entre ellos la distinción “Nevado Solidario de Oro” en Mendoza y la presea “Artista Mexicana Destacada 2023” en Brasil. Escritora y gestora cultural incansable, Elizabeth ha convertido el arte en una herramienta de transformación social, sensibilidad y diálogo humano.

En “Alma entre burbujas de pasión”, óleo sobre lienzo, Elizabeth Morales construye una imagen profundamente introspectiva donde la figura femenina emerge como símbolo de sensibilidad, deseo y renacimiento emocional. El cálido fondo anaranjado irradia energía vital, mientras las flores que envuelven el rostro evocan crecimiento interior, belleza y resiliencia. Las burbujas flotantes funcionan como metáforas de pensamientos, recuerdos y emociones efímeras que rodean la conciencia humana. La delicada postura de la protagonista, con los ojos cerrados y la mano sobre el rostro, sugiere un instante de contemplación íntima, casi meditativa, donde la pasión no se expresa como impulso desbordado, sino como una fuerza silenciosa que transforma el espíritu. La artista logra armonizar color, simbolismo y figuración para revelar un universo emocional donde fragilidad y fortaleza coexisten en perfecto equilibrio, invitando al espectador a reconocer la belleza de sus propios procesos interiores.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE AREADNNE VANESSA UMAÑA

Areadnne Vanessa Umaña Álvarez (Guadalupe de Goicoechea, San José de Costa Rica), ha consolidado una destacada trayectoria dentro del arte figurativo latinoamericano. Aunque desde temprana edad manifestó una profunda sensibilidad hacia el dibujo y la pintura, fue en el año 2000 cuando decidió profesionalizar su vocación artística. En 2003 obtuvo el título de Artista Plástica con énfasis en Pintura en la reconocida Escuela Casa del Artista, adscrita al Museo de Arte Costarricense y al Ministerio de Cultura, donde fue distinguida como alumna destacada. Complementó su formación con estudios de Historia del Arte en la Universidad de Costa Rica. Su carrera ha estado acompañada por una constante actividad expositiva y de gestión cultural, participando en importantes muestras y encuentros internacionales en diversos países de América Latina.

En “Sonrisas”, óleo sobre lienzo, Areadnne Umaña transforma una escena cotidiana en un conmovedor homenaje a la infancia y a la esencia humana. La artista captura con admirable sensibilidad la espontaneidad de dos niños cuyas sonrisas iluminan la composición y transmiten una sensación inmediata de alegría, esperanza y autenticidad. El manejo de la luz, la riqueza cromática y la delicada construcción de los rostros revelan un notable dominio técnico, mientras que el entorno humilde adquiere una dimensión poética que dignifica la sencillez de la vida. Más allá del realismo, la obra celebra la resiliencia, la inocencia y la capacidad de encontrar felicidad en los pequeños momentos, convirtiéndose en una emotiva representación del espíritu latinoamericano y del significado profundo de la expresión costarricense que le da título: “Pura Vida”.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE OLAFF CROWN

Nacido en Caracas, Venezuela, Olaff Crown es un artista plástico contemporáneo, diseñador gráfico, poeta y humanista, reconocido por su singular incursión en el arte sicalíptico, un lenguaje visual donde el erotismo, la sensualidad y la provocación intelectual convergen en un discurso profundamente simbólico. Su obra, de marcada impronta figurativa y expresionista, ha sido exhibida en diversos países de América y Europa, consolidando una trayectoria multidisciplinaria que abarca la pintura, el muralismo, la poesía visual y proyectos de conciencia ambiental como PORTAPAZ. El artista ha construido un universo estético en el que el cuerpo humano y la libertad de los deseos se convierten en vehículos de reflexión sobre la condición humana.

En “Venezuelan Orchid”, Crown establece un poderoso contrapunto entre erotismo y naturaleza. El cuerpo femenino atado por cuerdas, representado mediante un dibujo de contundentes líneas negras y un intenso fondo rojo, sugiere tensión, deseo y vulnerabilidad. En el centro emerge una orquídea venezolana de vibrante cromatismo púrpura, convertida en símbolo de resistencia y belleza. La flor, lejos de ser un elemento decorativo, actúa como metáfora de la identidad y de la capacidad de florecer incluso en medio de la opresión. La obra conmueve por su carga psicológica y por la magistral síntesis entre sensualidad, dolor y libertad interior. 

RESEÑA BIOGRÁFICA DE VERÓNICA PADILLA 

Verónica Padilla Reynoso es una artista figurativa mexicana nacida en San Juan de los Lagos, Jalisco, reconocida internacionalmente por la calidad y sensibilidad de sus retratos. Aunque desde niña sintió afinidad por la pintura, no fue sino hasta 2016, tras enfrentar una enfermedad y recibir la recomendación médica de realizar una actividad terapéutica, que descubrió en el arte su verdadera vocación.

La obra presentada "Enigma, Tejidos de Memoria", para "Color Journeys 2026", está ejecutada con maestría en una paleta monocromática, revela un dominio excepcional del claroscuro que esculpe el rostro con un realismo hipnótico. La mirada, intensa y enigmática, trasciende el lienzo, convirtiéndose en un espejo del alma. El patrón textil, minuciosamente detallado, evoca tradiciones ancestrales, fusionando identidad y atemporalidad. La atmósfera es de introspección y misterio, invitando al espectador a desentrañar las historias silenciosas que habitan la figura.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE ANDREA GARCÍA

Andrea Beatriz García (Laprida, Buenos Aires, Argentina, 1970) es una reconocida pintora realista radicada en Neuquén, cuya trayectoria constituye un ejemplo de sensibilidad artística y compromiso humano. Técnica Superior en Óptica y Contactología, descubrió su vocación por las artes plásticas en 2008, iniciando un proceso de formación que la condujo al estudio del realismo y el hiperrealismo con diversos maestros. Su obra, centrada en el retrato y la figuración, se distingue por la precisión técnica y la profundidad emocional. Ha participado en importantes exposiciones nacionales e internacionales, entre ellas la Bienal Micro Arte Brasil-Colombia 2024, consolidándose además como una activa promotora del proyecto “Arte Sin Fronteras por la Paz”, desde donde impulsa el arte como instrumento de transformación social y construcción de esperanza.

En Weaving Peace, óleo sobre lienzo, Andrea Beatriz García construye una poderosa metáfora visual inspirada en la filosofía de Mahatma Gandhi. La imagen de la meditación y el acto de hilar se convierten en símbolos de resistencia pacífica y de la paciente construcción de un mundo reconciliado. La artista transforma el hilo en un lenguaje espiritual que entreteje memoria, paz y humanidad, logrando una obra de profundo contenido ético y poético que invita al espectador a comprender que la verdadera revolución nace del silencio, la reflexión y la compasión.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE ALEXANDER CALDERÓN

Alexander Calderón Palacios (Solano, Caquetá, 1972) es uno de los creadores más representativos del arte contemporáneo amazónico colombiano. Pintor, escultor, educador y gestor cultural, su trayectoria ha estado marcada por una profunda reflexión espiritual y un permanente compromiso con la naturaleza y la memoria colectiva. Tras su paso por el seminario y el ejercicio del sacerdocio, encontró en el arte un camino de redención y de servicio, convirtiendo el lienzo en un espacio de diálogo entre la condición humana y el territorio amazónico. Radicado en Puerto Rico, Caquetá, su producción artística se caracteriza por un lenguaje que fusiona el neoexpresionismo, la abstracción simbólica y una intensa carga poética, consolidándolo como un referente de la resiliencia y la identidad cultural del sur de Colombia.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE ALEXANDER CALDERÓN

En Amazonian Soul (Óleo sobre lienzo, 70 x 70 cm, 2026), Calderón despliega un universo cromático exuberante donde la selva se convierte en un organismo vivo y sagrado. La figura central del jaguar emerge entre rostros, aves y signos ancestrales, simbolizando el espíritu protector de la Amazonia y la conexión indisoluble entre el ser humano y la naturaleza. La vibrante policromía, dominada por violetas, turquesas y verdes luminosos, construye una sinfonía visual que trasciende la representación para adentrarse en lo mítico. Esta obra no solo exalta la biodiversidad amazónica, sino que constituye un poderoso manifiesto de defensa de la vida y de la memoria espiritual de la selva colombiana.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE MARGARITA ROSA GÓMEZ  

Margarita Rosa Gómez Vélez (Bogotá, 1953) es una de las figuras más representativas de la pintura contemporánea colombiana y una de las voces femeninas más sensibles de la plástica huilense. Maestra en Pintura de la Universidad del Tolima y especialista en Gerencia y Gestión Cultural de la Universidad del Rosario, ha desarrollado una sólida trayectoria como pintora, docente y promotora cultural. Su obra se distingue por un lenguaje poético y simbólico que sitúa a la mujer como eje de reflexión estética y espiritual. Entre el surrealismo figurativo y el realismo mágico, sus composiciones revelan un universo íntimo donde la feminidad, la memoria y la transformación se convierten en metáforas de la condición humana. Su extensa participación en exposiciones nacionales e internacionales la ha consolidado como una creadora imprescindible del arte colombiano contemporáneo.

En Spring Metamorphosis (Acuarela sobre papel), Gómez Vélez construye una delicada alegoría del renacimiento interior. El rostro femenino emerge entre mariposas y flores como una representación de la transformación del espíritu y la eterna capacidad de la mujer para reinventarse. La transparencia de la acuarela, los tonos verdes, lilas y azules, y la sutileza de las veladuras generan una atmósfera etérea, casi onírica, donde la naturaleza y el ser se funden en un mismo lenguaje. La obra es un canto a la primavera del alma, un himno visual a la libertad, la belleza y la esperanza que habitan en cada proceso de metamorfosis humana.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE LETICIA MAROTTA 

Leticia Marotta Ferrari, nacida en Buenos Aires, Argentina, es una destacada artista visual, docente y gestora cultural cuya trayectoria se ha consolidado por su sensibilidad estética y su profundo compromiso humanista. Formada en la Universidad Nacional de las Artes (U.N.A.) y en la Academia de Bellas Artes Beato Angélico, es Licenciada en Artes Visuales, Profesora de Dibujo y Pintura y Maestra Nacional de Dibujo. Miembro expositor del Museo Internacional de Arte Contemporáneo Don Armando S. Reschini y de la Organización Mundial de Artistas Integrados (O.M.A.I.), ha desarrollado una intensa actividad artística en América y Europa, participando en exposiciones y proyectos culturales de carácter internacional. Su obra se caracteriza por una constante reflexión sobre la condición humana, la memoria y la construcción de la paz.

En la fotografía digital simbólica "Los Zapatitos de Emilia", Leticia Marotta Ferrari transforma un objeto cotidiano en un poderoso emblema de esperanza y de defensa de la vida. Los pequeños zapatos dorados reservados para una niña aún por crecer evocan la inocencia, la promesa del futuro y el amor que antecede al nacimiento. La obra adquiere una dimensión universal al convertirse en un silencioso alegato contra la violencia y el sufrimiento de la infancia en tiempos de guerra. Una imagen documental, y pieza de meditación poética sobre la paz, la integración cultural y el deber ético de proteger la fragilidad de la existencia humana.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE LUIS LOSADA  

Luis Losada (Neiva, Huila, 1949) es uno de los artistas más representativos de la plástica huilense contemporánea. Formado en la Escuela Superior de Artes Visuales de Neiva y enriquecido por diversos estudios en pintura, teoría del color y gestión cultural, ha desarrollado una trayectoria de más de cuatro décadas marcada por un profundo compromiso con la realidad social y humana de Colombia. Su obra transita entre el expresionismo, el neo-cubismo y el arte figurativo, abordando temáticas relacionadas con la dignidad humana, la memoria colectiva y las tradiciones culturales de su región. Dueño de un lenguaje pictórico de intensa sensibilidad cromática y simbólica, Losada se ha consolidado como un referente del arte regional y un creador que entiende la pintura como un acto de reflexión y de conciencia social.

En "La Lectora" (Acrílico sobre lienzo), Luis Losada se aparta momentáneamente de la denuncia social para adentrarse en un territorio de íntima contemplación. La figura femenina, absorta en la lectura y cobijada por la serenidad de la naturaleza, se convierte en una metáfora del conocimiento y la introspección. La composición, de delicados matices cromáticos y atmósfera apacible, exalta el poder transformador de los libros y reivindica la lectura como un refugio espiritual. Más que un retrato, la obra es un homenaje a la mujer pensante y a la silenciosa belleza de los instantes dedicados al encuentro con la imaginación y la sabiduría.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE MIGUEL ÁNGEL RAMÍREZ ZÁRATE

 

Síntesis biográfica. Miguel Ángel Ramírez Zárate es un creador cuya obra transita en el umbral entre el arte y la psicología. Psicólogo, artista plástico y visual en formación, ha encontrado en la pintura, el dibujo y la fotografía instrumentos de exploración del inconsciente y de la experiencia humana. Miembro de la Escuela Nacional de Psicoanálisis y practicante avanzado de hipnosis clínica, actualmente reside en España, donde adelanta estudios en Bellas Artes en la Universitat Politècnica de València y en Psicología General Sanitaria en la UNIR. Su labor como escritor y analista, publicada en revistas de psicología y psicoanálisis de México, complementa una producción artística profundamente introspectiva, en la que la imagen se convierte en territorio de sublimación y resonancia emocional.

“Siluetas del silencio”, Fotografía digital, 2025. En esta obra, Ramírez Zárate construye una poética de la ausencia. El horizonte cercado por alambres y las formas vegetales convertidas en sombras se enfrentan a un cielo tumultuoso, donde la luz irrumpe como una promesa. El claroscuro radical transforma el paisaje en un estado del alma: la oscuridad no es amenaza, sino contemplación. La fotografía revela que el silencio posee una forma visible y que, en la inmensidad de la naturaleza, el ser humano encuentra el reflejo de sus propios abismos, nostalgias y anhelos de trascendencia.

Viggeé López, -Una mirada a mi tierra-, Acrílico sobre lienzo, 40 X 40 cm., 2025, Colombia

RESEÑA BIOGRÁFICA DE VIGGEÉ LÓPEZ 

Viggeé Marlitt López Murcia (San José del Fragua, Caquetá) es una de las voces más auténticas y sensibles del arte contemporáneo amazónico colombiano. Artista plástica, docente y gestora cultural, ha construido una trayectoria en la que la creación estética y la pedagogía convergen para exaltar la riqueza natural y cultural de la Amazonia. Su obra, reconocida en exposiciones nacionales e internacionales, se distingue por un lenguaje cromático vibrante y por la profunda conexión espiritual que mantiene con su territorio, convirtiéndose en una embajadora de la identidad caqueteña y en una defensora del arte como instrumento de transformación social y memoria colectiva.

En "Una mirada a mi tierra" (Acrílico sobre lienzo, 2025), Viggeé López logra una extraordinaria sinfonía visual donde la selva se convierte en un gran rostro de la vida. El semblante indígena emerge entre el jaguar, el tucán, los guacamayos, la rana de ojos rojos y la mariposa Morpho, estableciendo un diálogo simbólico en el que hombre y naturaleza son inseparables. La intensidad cromática y la composición envolvente transforman la pintura en un manifiesto ecológico y espiritual: una declaración de amor a la Amazonia y, al mismo tiempo, un llamado urgente a proteger la biodiversidad de un territorio que nos observa, nos sustenta y reclama nuestra responsabilidad con el futuro del planeta.

RESEÑA BIOGRÁFICA DE LOS HERMANITOS CÓRDOBA 

La participación de Los Hermanitos Córdoba adquiere una dimensión especial. Su historia constituye un ejemplo inspirador de resiliencia. Frente a los desafíos derivados de su condición neurológica y psicomotriz, su madre encontró en la pintura un puente afectivo para estimular sus capacidades motrices y fortalecer la comunicación emocional. Mediante técnicas de arte adaptado, ambos artistas desarrollaron un lenguaje plástico propio, caracterizado por una explosión cromática y una gestualidad expresionista que hoy despierta admiración en distintos espacios culturales.

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